Dica de Desenho Animado: Aprenda com a Disney
Por: Carol Cunha
29 de outubro, 2021
Para quem quer ingressar na vida de animador, a melhor dica de desenho vem, certamente, da Disney, maior estúdio referência na área.
Em 1981, os animadores Ollie Johnston e Frank Thomas compilaram em seu livro Disney Animation: The Illusion of Life , doze princípios fundamentais da animação que o estúdio utiliza como base para as suas animações.
Os autores chegaram a esses doze princípios observando o trabalho que os animadores da Disney desenvolveram desde o início dos anos 30, especialmente por aqueles conhecidos como os Nove Velhos da Disney (Disney’s Nine Old Men).
Eles foram os animadores centrais dessa época, conhecida como Era de Ouro da Disney. Juntos criaram obras famosas, que abrangem o período que vai desde Branca de Neve (1937) até Bernardo e Bianca (1977).
Ao reunir esses princípios e várias outras informações, Johnston e Thomas tornaram The Illusion of Life um dos livros referência na área, o qual vários animadores ainda recorrem como fonte de conhecimento para aplicarem na prática.
Vamos, portanto, utilizar o livro para falar um pouco sobre esses doze princípios fundamentais da animação.
Os animadores consideram este como o principal e mais importante entre os doze princípios. Todos os tipos de animação, desde uma bola quicando até uma pessoa em movimento são submetidos ao squash and strech.
A razão disso é porque ele dá aos personagens e objetos uma ilusão de gravidade, peso, massa e flexibilidade.
O exemplo mais óbvio para entender o squash and strech é imaginar uma bola quicando, uma vez que ela se estica quando sobe e desce e se espreme quando atinge o solo.
Contudo, nosso corpo, por exemplo, costuma agir da maneira similar. Para se manter a fluidez e o realismo a um objeto ou personagem durante a aplicação deste princípio é necessário levar em conta alguns fatores.
Primeiro, a maleabilidade do objetos que desejamos animar. Segundo, manter seu volume consistente durante o processo de animação. E, terceiro, depende dos requisitos e do estilo do desenho.
Neste último caso, uma cena mais realista requer um squash and strech mais sutil, em um desenho animado mais cômico, podemos exagerar o efeito e abraçar o nonsense.
Esta dica de desenho da Disney possui como intuito tornar a ação do objeto e do personagem mais realista. A antecipação ajuda a preparar o espectador para a ação principal que vai acontecer na cena.
O realismo em questão está no fato de que praticamente todos os movimentos da vida real que fazemos, em maior ou menos grau, possuem uma antecipação.
Por exemplo, quando vamos correr, impulsionamos o corpo antes de acelerar. Do mesmo modo, dobramos o joelho antes de pularmos. Igualmente levamos o braço para trás antes de lançar uma bola.
Portanto, quando aplicamos a antecipação na animação, ela torna os movimentos cheios de vida, naturais e fluídos. Caso contrário, a cena ficará irrealista, obsoleta e desajeitada.
Um animador pode usar dois processos distintos para fazer seu trabalho. Ele pode tanto fazer uma animação direta quanto desenhar pose a pose. Contudo, nada impede que durante a animação ele possa utilizar ambas as técnicas e combinar os dois princípios.
Na animação direta – straight ahead – o artista desenha quadro a quadro do começo ao fim do movimento. A vantagem são movimentos mais fluídos e dinâmicos. Contudo, especialmente para animadores pouco experientes, corre-se o risco de variações tanto tamanho e volume quanto na proporções do personagem.
Já na técnica de pose a pose, o animador desenha o começo e o final da ação e depois vai preenchendo o intervalo entre eles com os quadros intermediários. Essa técnica, por ser uma ação planejada, permite que o artista tenha um maior controle sobre a cena, e, portanto, consiga corrigir mais facilmente quaisquer erros.
Outra dica de desenho da Disney para animação está em observar que os movimentos tanto de seres vivos quanto de vários objetos não acontecem em linha reta, mas sim em arcos.
Dessa forma, quando o animador vai fazer o seu trabalho, ele deve estar atento para não fazer seus personagens se moverem em linha reta. Caso contrário, os movimentos parecerão rígidos e irreais.
Portanto, toda vez que for animar, fique atento aos movimentos em arco, eles farão com que a animação se mostre mais natural e atraente.
Essa dica de desenho da Disney pode ser um grande diferencial para ajudar na conexão emocional do espectador com os personagens. Um pouco de exagero pode ajudar a reforçar a apreensão dos sentimentos que os personagens precisam passar, tornando a animação mais dinâmica e clara em sua mensagem.
Para garantir que este princípio funcione bem, basta distorcer, por exemplo, características faciais, expressões, movimentos corporais. Isso ajuda a melhorar a narrativa, torna a essência da ação mais aparente e, portanto, mais impactante.
Os autores chegaram a esses doze princípios observando o trabalho que os animadores da Disney desenvolveram desde o início dos anos 30, especialmente por aqueles conhecidos como os Nove Velhos da Disney (Disney’s Nine Old Men).
Eles foram os animadores centrais dessa época, conhecida como Era de Ouro da Disney. Juntos criaram obras famosas, que abrangem o período que vai desde Branca de Neve (1937) até Bernardo e Bianca (1977).
Ao reunir esses princípios e várias outras informações, Johnston e Thomas tornaram The Illusion of Life um dos livros referência na área, o qual vários animadores ainda recorrem como fonte de conhecimento para aplicarem na prática.
Vamos, portanto, utilizar o livro para falar um pouco sobre esses doze princípios fundamentais da animação.
Esticar e Comprimir (Squash and Stretch)
Os animadores consideram este como o principal e mais importante entre os doze princípios. Todos os tipos de animação, desde uma bola quicando até uma pessoa em movimento são submetidos ao squash and strech.
A razão disso é porque ele dá aos personagens e objetos uma ilusão de gravidade, peso, massa e flexibilidade.
O exemplo mais óbvio para entender o squash and strech é imaginar uma bola quicando, uma vez que ela se estica quando sobe e desce e se espreme quando atinge o solo.
Contudo, nosso corpo, por exemplo, costuma agir da maneira similar. Para se manter a fluidez e o realismo a um objeto ou personagem durante a aplicação deste princípio é necessário levar em conta alguns fatores.
Primeiro, a maleabilidade do objetos que desejamos animar. Segundo, manter seu volume consistente durante o processo de animação. E, terceiro, depende dos requisitos e do estilo do desenho.
Neste último caso, uma cena mais realista requer um squash and strech mais sutil, em um desenho animado mais cômico, podemos exagerar o efeito e abraçar o nonsense.
Antecipação
Esta dica de desenho da Disney possui como intuito tornar a ação do objeto e do personagem mais realista. A antecipação ajuda a preparar o espectador para a ação principal que vai acontecer na cena.
O realismo em questão está no fato de que praticamente todos os movimentos da vida real que fazemos, em maior ou menos grau, possuem uma antecipação.
Por exemplo, quando vamos correr, impulsionamos o corpo antes de acelerar. Do mesmo modo, dobramos o joelho antes de pularmos. Igualmente levamos o braço para trás antes de lançar uma bola.
Portanto, quando aplicamos a antecipação na animação, ela torna os movimentos cheios de vida, naturais e fluídos. Caso contrário, a cena ficará irrealista, obsoleta e desajeitada.
Encenação (Staging)
A encenação possui como principal propósito direcionar a atenção do espectador para a história que está sendo contada. Em outras palavras, ela possui uma estreita relação tanto com a ideia de composição na ilustração quanto o que chamamos de mise-en-scène no teatro. O plano de fundo escolhido não deve distrair o espectador da história ou do personagem. Em suma, o primeiro plano, o personagem e o fundo devem se complementar e funcionar como um todo no decorrer da narrativa. O movimento da câmera é utilizado para guiar o olhar do espectador e chamar a sua atenção para aquilo que realmente é importante para a narrativa. Ou seja, o foco deve estar naquilo que é importante para a cena, e o movimento de tudo que não for importante deve ser mínimo. Para que o staging funcione perfeitamente e demonstre claramente a mensagem da cena em questão alguns recursos são previamente planejados. Por exemplo, o uso eficaz de close-ups, planos médios e planos principais, e, do mesmo modo, o ângulos de câmera ajudam a narrar a história de forma mais eficiente.Siga Direto e Pose a Pose (Straight Ahead Action and Pose to Pose)
Um animador pode usar dois processos distintos para fazer seu trabalho. Ele pode tanto fazer uma animação direta quanto desenhar pose a pose. Contudo, nada impede que durante a animação ele possa utilizar ambas as técnicas e combinar os dois princípios.
Na animação direta – straight ahead – o artista desenha quadro a quadro do começo ao fim do movimento. A vantagem são movimentos mais fluídos e dinâmicos. Contudo, especialmente para animadores pouco experientes, corre-se o risco de variações tanto tamanho e volume quanto na proporções do personagem.
Já na técnica de pose a pose, o animador desenha o começo e o final da ação e depois vai preenchendo o intervalo entre eles com os quadros intermediários. Essa técnica, por ser uma ação planejada, permite que o artista tenha um maior controle sobre a cena, e, portanto, consiga corrigir mais facilmente quaisquer erros.
Prosseguimento e Ação de sobreposição (Follow through and overlapping action)
Mais uma dica de desenho da Disney que é essencial para uma animação passar uma sensação de naturalidade e realismo está nestes princípios. Essas técnicas de animação têm como objetivo dar a impressão de que os personagens estão seguindo as leis da física. O ponto principal do prosseguimento e da ação de sobreposição é que praticamente nada em um personagem ou objeto complexo para ao mesmo tempo. Em outras palavras, diferentes partes do objeto param em velocidades diferentes. Da mesma forma, nem tudo em um objeto se moverá na mesma velocidade. Um exemplo clássico para explicitar como funciona este movimento é pensar em uma pessoa correndo. Caso a pessoa pare de repente, seu cabelo, suas roupas e mãos continuam a se mover por um tempo.Começar e terminar devagar (Slow in and slow out)
Para aplicar este princípio é necessário levar em conta que nada se move com velocidade constante. Em outras palavras, tudo começa com uma aceleração e termina com uma desaceleração. Dessa forma, quando o artista vai colocar um objeto ou personagem em movimento ou pará-lo, precisa levar isso em conta. Para isso, ele precisa aplicar mudanças graduais na velocidade daquilo que será animado para transmitir a sensação de movimentos realistas. Na animação, portanto, esse efeito é obtido adicionando mais quadros no início e no final de uma sequência de ação.Arcos
Outra dica de desenho da Disney para animação está em observar que os movimentos tanto de seres vivos quanto de vários objetos não acontecem em linha reta, mas sim em arcos.
Dessa forma, quando o animador vai fazer o seu trabalho, ele deve estar atento para não fazer seus personagens se moverem em linha reta. Caso contrário, os movimentos parecerão rígidos e irreais.
Portanto, toda vez que for animar, fique atento aos movimentos em arco, eles farão com que a animação se mostre mais natural e atraente.
Ação secundária
Os animadores usam a ação secundária para apoiar e, algumas vezes, intensificar a ação principal. Em outras palavras, ela adiciona profundidade, personalidade e dimensão ao personagem, sem que, contudo, desvie a atenção da ação principal. Por exemplo, um personagem pode conversar com outro personagem e piscar de vez em quando para apoiar os movimentos principais e adicionar realismo à cena. Ou alguém pode estar caminhando nervosamente e coçando a cabeça ao mesmo tempo para reforçar a sensação de ansiedade.Cronometragem (Timing)
O timing é criado através do número de quadros que o animador colocar em uma cena para criar uma determinada ação. Com menos quadros, temos um movimento nítido e rápido. Por outro lado, com mais quadros, o movimento é suave e lento. Contudo, o principal propósito do timing não é trabalhar apenas a velocidade dos movimentos, mas, principalmente representar sensações especifica a serem apreendidas pelo espectador. Ele pode determinar até mesmo refletir a personalidade do personagem e transmitir sua emoção.Exagero
Essa dica de desenho da Disney pode ser um grande diferencial para ajudar na conexão emocional do espectador com os personagens. Um pouco de exagero pode ajudar a reforçar a apreensão dos sentimentos que os personagens precisam passar, tornando a animação mais dinâmica e clara em sua mensagem.
Para garantir que este princípio funcione bem, basta distorcer, por exemplo, características faciais, expressões, movimentos corporais. Isso ajuda a melhorar a narrativa, torna a essência da ação mais aparente e, portanto, mais impactante.
Desenho sólido
Esta dica de desenho da Disney diz respeito à dar uma sensação de tridimensionalidade ao desenhos animados para que a cena seja mais realista.
Em outras palavras, o artista deve ter uma boa noção de forma e anatomia para poder conseguir reproduzir bem volume, equilíbrio e peso para criar a ilusão de um objeto 3D.
As formas devem ser claras e expressivas, a silhuetas deve ser facilmente legível. Ao conseguir seguir esse princípio, o animador terá sucesso em
expressar através das poses os pensamentos, intenções, condições, desejos e sentimentos de um personagem.